Intervista a DJ Shocca a cura di Sick Boy Simon

“Il suono di Shocca e’ un equilibrio tra composizione e ingegneria del suono, tra intuizione e il valicare limiti tecnici, tra batterie swingate, samples sporchi e cuts onnipresenti laddove possibile”.

Se penso a DJ Shocca ricordo esattamente il momento indietro nel tempo in cui il suo nome e’ diventato altamente rilevante nel mio porta CD. 

Il motivo si chiama “60 Hz”(2004) ed’ è uno di quei album corali che ciclicamente riescono a indurre la scena musicale a percorrere dei salti evolutivi, prima c’era stato “950” di Fritz da Cat, prima ancora “Neffa e i Messaggeri della Dopa”.

Per descrivere un ricordo sfocato bisogna anche fare lo sforzo di delineare lo sfondo oltre ai personaggi in inquadratura e il periodo in cui si colloca questo album merita di essere descritto anche se sbrigativamente.

Esiste il famoso periodo detto del “buco”, del “vuoto” e del “nulla cosmico” del rap italiano che corrisponde esattamente con gli anni 2001-2003. Non tanto perché in quegli anni non sia uscita bella musica, affermare una cosa del genere sarebbe un falso storico. 

Il problema e’ che questa partita non la giocavano più gli artisti ma gli investitori, le etichette, i distributori le radio e le tv. Senza scordare la solita equazione: “più il pubblico tende all’ignoranza e alla chiusura, meno gli addetti ai lavori cercano di introdurre le novità”.

Nel 2001 Aelle – Alleanza Latina, il magazine fondato da Claudio “Sid” Brignole e coltivato da Paola Zukar (oggi manager di Fabri Fibra, etc), chiude definitivamente la saracinesca.  AL Magazine muore al suo cinquantatreesimo numero, a Marzo di quell’anno. Era stato l’unico media rilevante che all’epoca fosse seriamente dedicato alla diffusione del rap e dell’Hip-Hop internazionale.

Il cambio dalla lira all’euro, l’11 Settembre e mille dinamiche commerciali ed extra-artistiche sembravano piantare gli ultimi chiodi sulla bara del rap italiano.

Poi qualcosa è cambiato.

Nel 2003 Bassi e Dj Zeta aprono la partita IVA e nasce Vibra Records, con distribuzione dell’allora colosso SAIFAM.

Sempre nel 2003 esce la prima edizione di Mi Fist dei Club Dogo destinata a detonare definitivamente nel 2004. Settembre 2004, esce Mr Simpatia di Fabri Fibra. Il resto e’ storia. 

Cosa era successo? 

Effettivamente erano stati piantati dei chiodi su una bara, ma era quella del vecchio rap delle posse e della musica “urban” politicizzata.  

Il nuovo Hip-Hop italiano era definitivamente stato epurato dalla componente politica e il che lasciava spazio ad una nuova era. 

La stessa era che ha gettato le basi per il mainstream di oggi. In quel momento in Italia c’è stata una prima, molto importante, biforcazione nel destino degli artisti, Il nuovo rap italiano era pronto per monopolizzare le discoteca e la testa dei teenagers millennials, parallelamente l’underground sopravviveva con picchi floridi mai visti prima come il 2TheBeat, il Tecniche Perfette e le migliaia di serate che ogni artista della scena aveva bookate per l’Italia.

La crisi sembrava finita, per ora.

DJ Shocca era la: “Bologna By Night”, “Ghetto Blaster”, “Parole”, “Rendez vous col delirio”, Coltelli”. Prima che le certificazioni FIMI regalassero dischi d’oro in base agli streams e prima che i counter di views dei social decidessero lo status degli artisti. Il suo disco “60Hz” e tutte le produzioni limitrofe sono riuscite a fotografare perfettamente quel periodo prolifico “post-crisi” del rap italiano. 

Per Matteo Bernacchi aka Roc Barakys, trevigiano classe ’78, la magnitudo del personaggio comunque non si esaurisce in questa grande premessa.

Prima di focalizzarci su quello che interessa maggiormente al nostro spazio online , ossia la produzione audio, è d’obbligo menzionare anche le attività manageriali di Shocca come la journey di Unlimited Struggle come independent label e marchio di abbigliamento, e l’hustling che riguarda la produzione di serate ed eventi dal vivo. 

Il Producer

La produzione di DJ Shocca e’ controversa. Per certi versi lui e’ uno di quei pochi che e’ riuscito a forgiarsi un marchio di fabbrica inconfondibile, seguendo le orme dei maestri sacri.  Shocca e’ uno di quei musicisti elettronici che puoi riconoscere anche solo dall’utilizzo di un certo rullante o di un certo hi-hat, un determinato gusto sui cuts vocali e nei delay, le bass line e i side chain che modulano certe dinamiche.

Il suono di Shocca e’ un equilibrio tra composizione e ingegneria del suono, tra intuizione e il valicare limiti tecnici, tra batterie swingate, samples sporchi e cuts onnipresenti laddove possibile

Se ami il vero suono del’Hip-Hop non puoi non amare Shocca. Dagli esordi con i Centro13 alle produzioni internazionali per gli Special Teamz, passando per le release 60 Hz e Struggle Music, il nome, il suono e l’attitudine di Roc B hanno marchiato indelebilmente l’evoluzione di questo genere musicale per tre decadi. A quanto si rileva dai dati odierni (produzioni sui dischi di Guè, Inoki, Emis Killa) Dj Shocca non ha nessuna intenzione di interrompere il flusso.

Intervista

Sick Boy Simon: “C’è qualcosa della tua biografia che ci è sfuggito e che vorresti aggiungere ?”

Dj Shocca: Ciao a tutti, what’s good kids? Direi che l’intro poco sopra è esaustivo quanto serve ed offre un ritratto super legit, non c’è nulla da aggiungere di rilevante che non stia già lì.

Sick Boy Simon: “In questo spazio abbiamo la possibilità di approfondire anche sul lato tecnico ciò che riguarda la produzione di musica elettronica, potresti descrivere il tuo “workflow” nel momento di approcciare alla composizione?”

Dj Shocca: “Innanzitutto posso produrre soltanto quando mi sento di avere il mood giusto, sebbene abbia provato a creare un beat “a tavolino” una moltitudine di volte. Non ci posso fare niente, sto provando a fare pace con questo (chiamiamolo) deficit. Il mood giusto è una sorta di vibe che mi permette di scandagliare samples interessanti tramite un drive che non sempre mi pervade, purtroppo. Quindi questo è il primo step del workflow. Andiamo avanti. Dai giradischi ascolto e cerco qualcosa che mi emozioni e valga la pena di essere lavorato. Se questo succede, accendo il 950 e decido se campionare una fusione dei segnali Left e Right del campione, oppure soltanto uno dei due. In modo da vedere se riesco a catturare la “versione” con le nuances più potenti. Da qui in poi, non penso più lucidamente. Vado guidato dal gusto e dalla fotta pazzesca di choppare e ricostruire il campione come si merita. In seguito aggiungo e layero kick, snare ed hihat. Poi il bassline, che dev’essere killer. A quel punto faccio un break e vado a fumare. Oppure bevo qualcosa. O entrambi. E’ necessario per resettare la testa, in modo che quando torno al lavoro sul beat ho riacquistato oggettività. E’ molto facile per l’orecchio umano, purtroppo, abituarsi ai suoni dopo un tot e perdere oggettività. Spiegato crudemente, la testa dopo un po’ si abitua a qualunque tipo di “errore” sonoro. Quindi le pause aiutano a tornare back on track ed essere onpoint. A quel punto aggiungo, se mi va, qualcosa con il software sampler di Cubase 11 Pro. O qualche vintage synth. Dipende dal mood, come dicevo.”

Sick Boy Simon: “Quali sono i “tools”, sia analogici che software, imprescindibili nel “set-up” di Dj Shocca?”

Dj Shocca: “Direi piatti Technics SL1200, battle mixer, Akai S-950, scheda audio Apollo 16 mk2, convertitore AD Burl Bomber B2, LTL Silver Bullet, SSL Fusion ed altro outboard tremendamente fat in fase di mix. Comunque tutto parte dall’inizio, i suoni devono già essere a priori solidi. In mix si può soltanto correggere a grandi linee ed indirizzare il tutto verso la perfezione. Tuttavia è imprescindibile che il materiale di partenza abbia già i coglioni che fumano. Se parti con una foundation loffia, in mix avrai soltanto merda.”

Sick Boy Simon: “Come accennato nella prefazione di questa intervista, una delle cose che caratterizza il tuo suono è l’aver personalizzato i tuoi drum kits e il tuo sound design al punto che ogni tua base risulta immediatamente riconoscibile se si presta attenzione ai giusti dettagli. Puoi svelare qualche segreto in merito a come hai ottenuto queste timbriche così caratteristiche?”

Dj Shocca: “La banale verità è la seguente: è tutto merito del suono che ho sempre avuto in testa e che in seguito sono riuscito ad esprimere on wax. Mi spiego meglio: quella di essere così caratterizzato non è stata una scelta a tavolino o una trovata smart al fine di distinguermi dal punto di vista dell’unicità. E’ soltanto ciò che sento dentro il mio testone e l’urgenza di esprimerlo. Io muoio per batterie grasse e cremose con bass-line avvolgenti in cima (o sotto che dir si voglia) quando le sento nei dischi. Mi mandano fuori di testa e voglio che i miei beats abbiano il medesimo feel. Long story short: un pizzico di maniacalità, un po’ di vintage sampling ed il resto nella pazzia tenace di trovare outboard che in mix possano aiutarmi ad avere la pasta e la crema dei maestri dei classici 90s che tanto hanno corrotto i gusti di quel ragazzino oggi 42enne, aka me stesso.”

Sick Boy Simon: “Potresti analizzare e scomporre per noi la produzione di uno dei tuoi brani più longevi e trasversali “Bologna By Night” ? Come hai lavorato il sample, le drums e la bass line? Come e’ nata quella strumentale cosi iconica?”

Dj Shocca: “Al tempo vivevo a Verona e lavoravo da Vibra Records. La sera a casa producevo con l’idea di creare un producer album e ricordo che in seguito, andando a Bologna per registrare Fabiano Inoki, portai un batch di 4 beats. Uno di questi venne scelto per ciò che sarebbe diventato “Bolo by night”, nè io nè Fabiano potevamo immaginare che sarebbe diventato un piccolo cult dell’hh italiano. Tornando al beat: ricordo che tagliuzzai un piano loop della track “Jessica” dall’LP “Fat Albert Rotunda” di Herbie Hancock. Mi prendeva bene: un po’ sinistro, un po’ malinconico. Poi tutto il resto arrivò in automatico. Basso molto semplice, forse non mi convinceva, tuttavia fece la fortuna del pezzo. E un rullante layerato di Stevie Wonder. I contorni del ricordo non sono nitidi. Comunque poi scoprii in seguito che un’altra sezione dello stesso pezzo era stata usata per creare “Shook Ones Pt.2″, fucc.”

Sick Boy Simon: “La nostra platform, tra le varie ragioni d’essere che l’hanno generata, ha la missione di costruire un punto di riferimento per la comunità di beatmakers e ricercatori sonori italiani; dal tuo punto di vista quali sono le 3 principali caratteristiche che un musicista elettronico deve avere per produrre materiale consistente ?”

Dj Shocca: “Primo: divertirsi. Amare ciò che si fa permette di non sentire la pressione. E spinge, motivando le persone a creare bombe misurandosi con se stessi. Secondo: il gusto è essenziale, lo stile. Avere la capacità di tradurre le proprie peculiarità caratteriali in suono, in fottuto tone. Questo si traduce in unicità, essere inconfondibili, indispensabili. Terzo: avere un suono che funziona, definito, non soltanto accennato e/o dipinto malamente. E’ necessario che il timbro sonoro performi in modo grandioso, official. Questi, a mio avviso, sono gli ingredienti necessari che conducono alla solidità.”

Sick Boy Simon: “Dalla prospettiva di Dj Shocca, quanto è cambiato il ruolo del producer dagli anni ’90 ad oggi? Pro VS Contro.”

Dj Shocca: “Diciamo che la figura del producer “classico” si è espansa di pari passo con l’affacciarsi ed il crescente legame tra music business e tecnologia. Dai Beatles in poi, il producer è diventato quasi un membro delle band. I duties si sono ampliati e la figura che inizialmente era deputata “soltanto” a rendere possibile la registrazione di una band, pian piano è diventata praticamente un musicista egli stesso. O comunque un decision maker importante nel percorso creativo. Questa è la parte dei Pro. Ora i contro: tutto molto bello – eccetto per il fatto che oggi chiunque è producer, basta un laptop miserabile. Non sempre la democratizzazione dei tools porta bellezza e qualità. Basta aprire Spotify per annusare miseria creativa e merda da rivoltare lo stomaco.”

Sick Boy Simon: “Potresti parlarci della tua esperienza editoriale e manageriale con Unlimited Struggle?”

Dj Shocca: “Premessa: altre dinamiche muovevano le cose quando ci siamo trovati a rockare il nostro famigerato merch e tutto il resto. Ci siamo occupati della parte discografica ed io nello specifico nella produzione di merch, avendo lavorato nello streetwear negli ultimi vent’anni. L’attenzione e la cura (oltre alla visione) spesi per i nostri varsity, coach jacket, jersey, hoodies etc. parlano da sé. Si tratta di avere una progettualità precisa e sapere con precisione dove dirigersi con lo stile. Nel mio caso un immaginario che prende spunto da sports & school graphics americane traslando la cosa in uno scenario europeo, senza imitare in modo imbecille gli stilemi oltreoceano. Ricami tackle twill, grafiche semplici di impatto.”

Sick Boy Simon: “Recentemente abbiamo notato come dietro a numerose produzioni di grossi artisti italiani sia presente la tua firma (su tutte: Guè – La G., la U., la E pt. 2; Inoki – Veterano; Emis Killa – Morto di fame; Jam Session). Sta forse finalmente tornando in voga anche in Italia il suono dell’hip hop con cui siamo cresciuti?”

Dj Shocca: “Direi di si senza dubbio. Vari segnali lo confermano. E’ come se i fruitori abituali e non, avessero fatto un’indigestione di ciò che c’è stato finora e sia sopravvenuta una sorta di sete che reclama il suono che noi amiamo. Per quanto mi riguarda, anche in momenti di poca attenzione, non ho mai pensato di inseguire il suono in voga. Mai ho pensato di violentare il mio soul, anche perchè avrei prodotto merda. Si sente quando un artista crea a tavolino. La musica esce stanca, insapore. Long story short: io sono sempre qui dove sono stato, se c’è hype benvenga. Se non c’è per me non cambia nulla. Produrre banger è tutto ciò che mi basta.”

Sick Boy Simon: “Dj Shocca ha una grande esperienza e ha raccolto ottimi risultati anche nel campo del fashion design, hai in serbo qualche novità  per il futuro anche in quella direzione?”

Dj Shocca: “Vedi sopra, ci sono alcune cose in canna di un certo livello ma sono top secret al momento. I beg your pardon.”

Sick Boy Simon: “Siamo giunti alla fine dell’intervista, saluta chi vuoi e “spoilera” qualcosa che riguarda i tuoi progetti futuri imminenti.”

Dj Shocca:  Saluto tutte le hip hop heads, soprattutto i kids che hanno la tenacia di cercare e scavare, trovando il suono giusto. Impresa non facile in questo momento storico, caratterizzata da un mare magnum ingestibile. E do un saluto speciale a Dirty Dagoes, per le domande fighe e la pazienza per essermi stati dietro. One love. Per quanto riguarda le cose in the making per il 2022 2023, posso soltanto dire che ci sono bombe in canna come mai prima sia successo. In virtù di questo, è prematuro che ne parli. Top secret. Get ready 2 rock kids!!!

L'articolo DJ SHOCCA, FILOSOFIA & AUDIO TOOLS proviene da Dirty Dagoes.

«Ero stanco di campionatori che “facevano” il suono.

Il mio suono non era l’MPC, il mio suono ero io.»

Tutti in Italia conoscono Ice One, anche chi non sa di conoscerlo.
Chi in Italia non si e’ imbattuto almeno una volta in “Quelli Che Benpensano” ?

Videoclip ufficiale di “Quelli che Benpensano”

Un dato grezzo ma significativo può essere il contatore views di Youtube che sul video clip ufficiale segna 37.000.000 views (trentasette milioni).

Recentemente Marracash ha pagato tributo al brano con un remake in compagnia di Coez, a testimonianza di quanto e’ stata iconica quella hit e di quanto sopravviva alle decadi (la prima edizione e’ del 1997).

Videoclip ufficiale di “QUELLI CHE NON PENSANO” – Il cervello ft. Coez

Ma Ice one, pseudonimo di Sebastiano Ruocco, classe 1966, e’ molto più di questo.

Fondatore dei Colle Der Fomento, rapper, compositore di colonne sonore di film come Torino Boys dei Manetti Bros, PAZ! di Renato di Maria e Le amiche del cuore di Michele Placido.

Il suo brano “Musica Grande” fu selezionato dagli A&R del video game studio tripla A statunitense Electronic Arts per l’edizione italiana del videogioco FIFA Football del 2004.

Le sue collaborazioni arrivano fino ad Elisa, i Tiromancino, Afrika Bambataa e Public Enemy, per citarne alcune.

Ma il discorso non si esaurisce qui. Ice One da anni coltiva diversi filoni di sperimentazione e ricerca sonora.

Il suo percorso personale attinge dai campi più disparati della conoscenza;
dalla programmazione sonora, all’esoterismo, all’audio forense al “digging” dei campionamenti.

La sua conoscenza degli hardware e degli strumenti del mestiere di un DJ/Producer sia analogici che digitali spazia dagli albori degli anni ’80 fino alle tecnologie attuali più innovative e all’avanguardia.

Questi sono tutti i motivi per cui abbiamo scelto di avvalerci della sua collaborazione in questa webzine che tra le altre cose, si dedica a condurre un viaggio verso la scoperta dei visionari dell’arte, i pionieri che hanno cambiato il “gioco”, i movimenti culturali e le tecnologie protagoniste.

Raro documentario anni ’90 con Ice One

Per il nostro progetto nascente e’ un onore poter contare su una punta di diamante come Ice One, che ha deciso di entrare nel nostro team e far parte della redazione del blog.

Oggi però, per inaugurare la nostra collaborazione vogliamo porre ad Ice One una serie di domande, realizzando la nostra prima vera intervista;

“Collection of breaks produced by the Italian Hip Hop legend”

1) C’e’ qualcosa che ci e’ sfuggito o che vorresti precisare della tua biografia?

“Innanzitutto grazie per questa opportunità di esser raccontato!
Rimando tutti al mio sito dove e’ possibile leggere la mia bio completa e tutta la mia discografia.

So di essere un personaggio complesso e so che la mia carriera musicale è piena di digressioni in tutti i generi che ho contaminato con l’Hip Hop, il mezzo espressivo che mi caratterizza.

Unica e sola cosa che vorrei precisare: io ho studiato musica classica con il pianoforte.
Nella mia carriera ho sempre spronato tutti a studiare, anche da autodidatti.

Anche stonare è un arte, ma le stonature dovute all’ incapacità sono uno dei pochi peccati capitali della musica.
Perfino nel punk c’era conoscenza della musica. Distruggere uno schema è lecito, ma per farlo bisogna prima conoscerlo e capirlo.”

.cit By il mitico Tomas Milian

Entriamo nello specifico dato che chi ci legge e’appassionato di produzione audio.

Senza fare “sample snitching” e rischiare la galera, potresti scomporre la produzione del tuo brano più famoso “Quelli Che Benpensano”?

Quali tools sono stati utilizzati? Quali fonti sonore? Dove fu concepito il primo loop?

“Per le fonti sonore segnalo il sito di WhoSampled, in cui è abbastanza comodo reperire queste informazioni.

Review del sito nominato da Ice One

Il brano è stato concepito in casa, all’ epoca io e Julie P (cantante jazz e co-autrice di svariati brani di successo) lavoravamo insieme alle produzioni.

Quelli Che Benpensano è un brano in cui io ho creato tutta l’alchimia sonora, successivamente con Julie P e’ nato l’arrangiamento di tutti i pattern che lo compongono.

Il brano è nato nel 1992, dopo aver scovato un 45 giri rarissimo da Disfunzioni Musicali (storico negozio di vinili di Roma).

Quel beat ha rimbalzato nei walkman di tutta la scena di quel tempo, ma era un cavallo che faticava a trovare il fantino.

Praticavo la tecnica del chopping dei samples già dal 1988, cioè scomponevo una frase musicale in tutti i sui movimenti per poter ricavare i colpi singoli riuscendo a mantenere il groove originale.

Quella tecnica l’ho ereditata da Marley Marl in primis, cercando di aggiungere un qualcosa in più a quel meticoloso tipo di lavorazione.

In Italia ancora andavano per la maggiore i loops.

Per Quelli Che Benpensano usai un MPC 60 espansa al massimo e con le uscite separate.
Nacque di getto in un periodo molto creativo per me dove sfornavo beats a ripetizione e ad oggi la situazione è rimasta molto simile, (immaginatemi con un ghigno sulla faccia).

Strumentale di Marley Marl

Spot commerciale d’epoca della MPC 60

Quanto e’ cambiato il ruolo del Dj/Producer dal 1997 ad oggi? Pro VS Contro.

“Diciamo che ora, in questo presente, il ruolo del producer è veramente cambiato tanto.
I producers che fanno davvero la differenza sembrano essere sempre di meno, di solito sono quelli che in qualche modo hanno studiato musica (come sopra, anche da autodidatti).

Poi invece ne esistono molti altri, anche famosi, che usano prevalentemente fonti sonore già pre-programmate e linee melodiche stock.

Per capire meglio cosa intendo basta analizzare certe inserzioni video che compaiono su YouTube, dove a un certo punto appare un tizio sconosciuto che dice:
“ Non so nulla di musica, ma con questo MIDI Pack sono diventato un producer di successo”.

Esempio di un MIDI Pack con melodie già pre-composte

Si tratta semplicemente di tonnellate di midi files con progressioni armoniche e melodiche già programmate.

Questo per quanto riguarda le linee melodiche.

Sulle parti ritmiche e’ ancora peggio: un esempio su tutti è il famoso Drum Kit di Metro Boomin da cui negli ultimi 5 anni tutti hanno estrapolato gli stessi pattern che trovi in migliaia di pezzi trap.

In conclusione, molti producers non vanno oltre i pre- set che trovano sui Plug-In e VST disponibili online. Questo e’ il motivo per cui oggi tutto suona uguale.

Molti producers hanno gonfiato il proprio ego grazie al marketing, ma il marketing non è musica.

Un altro discorso paradossale e’ quello degli Edit- Makers che si sentono Beat-Makers.
Apro una parentesi polemica con il discorso “Lo-fi”.

Qui si ritorna al problema dell’ omologazione, se tutti usano gli stessi macchinari per degradare i samples, gli stessi filtri, gli stessi effetti, non credo che usare sempre la stessa attrezzatura renda questi producers davvero artisti del suono. 

Molti di questi quando firmano le produzioni dovrebbero quantomeno scrivere feat. SP 303 o SP 404 affianco al loro nome.”
(ride).

Live set su un SP404

4) Essendo un producer appassionato di campionamenti sono quasi sicuro che ti sarai posto prima di noi questa domanda;

perché in Italia e’ quasi impossibile trovare un legale che sia ferrato sul diritto d’autore musicale, al punto che fare “sample clearance” e’ quasi impossibile?

E se esistono degli esperti potresti indicarci quelle che ritieni le personalità più competenti in materia?

“Premessa. Il vero problema di utilizzo di un campionamento si presenta quando si usa un loop intero senza interpolazioni invece di sfruttare il potere sonoro ed evocativo di qualcosa di già esistente cambiandone la morfologia.

Chiaramente tutti i producers che vengono dagli anni 80 e 90 sono passati tramite l’uso del loop, me compreso. Io ad un certo punto ho intuito che la mia arte era in pericolo, un arte che nasceva dal furto sonoro, ma che aveva un senso e dei concetti alla radice.

Ad oggi sui sample estesi è tutto un “avvocati, permessi e royalties da spartire”, ma in realtà bisogna rispondere ad una domanda quando ci si rapporta ad un campionamento: quando compro la musica di cosa sono proprietario?

Se la musica giustamente è di proprietà dell’artista, allora io acquirente cosa possiedo?
La mia risposta è: l’ascolto.

Ho elaborato così una tecnica microfonica di ripresa dei campioni, registrando i suoni dal mio sound system. Siccome sono proprietario dell’ascolto che viene caratterizzato dalle casse che ho, allora sono proprietario del campionamento che ascolto dalle mie casse, visto che quando compero un disco obbedisco alle leggi dello stato in cui vivo, ma non firmo nessun impegno specifico con nessun artista.

Negli anni poi la mia tecnica di utilizzo dei campioni è cambiata moltissimo.
Ora cerco campionamenti che possano sostituire la musica che scrivo con il piano, per cui deformo e taglio ogni cosa, utilizzando alla fine prevalentemente solo singoli suoni “OneShot” che poi uso nella mia alchimia sonora.

Per quanto riguarda gli esperti in Italia non ce ne sono.
Ci sono bravi avvocati che sanno di diritto musicale e che si barcamenano in una legislazione in merito ancora molto rudimentale e priva di precedenti.”

Deborah Mannis, grande esperta di “Samples Clearance”.

5) In base alla tua esperienza, tralasciando il mondo dei “drum breaks”, quali sono i generi musicali, le annate e gli artisti più campionabili, la tipologia di dischi più ricchi di potenziali tagli interessanti? In casa Dirty Dagoes per esempio siamo molto fan del rock progressivo sovietico 60s/70s.

“Il prog sovietico spacca ed è una passione che condivido.
Riguardo a questa questione, io mi sono sempre rapportato ad un orizzonte di possibilità infinite. Premetto che il primo album dei Colle Der Fomento è stato tutto fatto prendendo samples di musica souljazz e di musica progressive, e che per me vedere l’onda di campionamento dalla musica prog di questi ultimi anni non è stata una novità.

Prediligo gli anni che vanno dal 68 al 74.

La mia ricerca sonora è continua, va dall’Africa alle Filippine, passando dalla Thailandia, dalla Russia, dal Tibet etc. Il funk e’ una costante e la vena dark e’ sempre presente.

Cerco spesso brani in mono o finto stereo, dove e’ possibile trovare suoni nettamente divisi tra i canali Left e Right, tipo le drums sul canale destro insieme al basso, e magari il resto degli strumenti sull’ altro.

La ricerca sonora ha tempi e luoghi del tutto personali, ma è ovvio che può essere influenzata anche dal mercato discografico. Faccio un esempio su tutti: le prime produzioni di RZA. Quasi tutti i primi album Wu-Tang contengono campionamenti della Stax Records (etichetta fondata a Memphis, US, nel 1961).

Comprando i tre cofanetti della Stax Records onnicomprensivi di tutta l’etichetta, usciti poco prima degli albums del WU, e’ possibile scovare dentro tutti i samples utilizzati da RZA. Una scelta di ricerca molto comoda, ma molto efficace, anche se poi nelle interviste viene favoleggiata la famosa storia della “raccolta di dischi della nonna”.

Chiaramente questo non leva niente alla parte artistica, ma la storia del mercato della musica è importante.

La moda di cercare rock prog nasce invece dal fatto che sono dischi che furono stampati solo in piccole tirature da edizioni musicali minori e che quindi difficilmente gli autori si accorgeranno di essere campionati.

Così ad un fatto di gusto si unisce anche un fatto pratico.”

Sample originale della celebre “Tearz” dei Wu-Tang Clan

Quali sono i 5 principali tools per produzione audio imprescindibili per il lavoro di Ice One?

“Nell’1982 sono partito con i giradischi, un 4 piste a cassette della Fostex ed un piccolo sampler della Casio. Poi sono passato All’ uso della serie MPC Akai partendo dal 60 fino ad arrivare al 4000.

Ho avuto ed usato anche un Emu Sp 1200 con il quale ho realizzato i primi tre volumi dei Fat Beats. Poi la mia creatività ha avuto bisogno di altro.

Ero stanco di campionatori che “facevano” il suono. Era un limite sentirsi dire “La tua robba spacca, si sente che usi l’MPC”. Il mio suono non era l’MPC, il mio suono ero io.

Questi sono i motivi per cui sono passato ai software che lavorano in flat, in cui faccio io il mio suono da zero.

Ad oggi per fare il primo edit dei samples uso Peak, un ottimo editor, poi se voglio isolare qualcosa palleggio il suono tra RX e Photosounder, non disdegnando di usare le vecchie controfasi manuali. Per il chopping dei samples uso Recycle e come arma finale per creare e programmare il beat uso Reason 12.”

Tutorial di recording su un quattro piste Fostex

Parlaci del tuo lavoro di ricerca nel mondo dei software.

“Dal 2008 interagisco con un gruppo abbastanza segreto su Reddit, dove stiamo elaborando nuovi tools per l’isolazione dei samples.

Tutto questo poi si canalizza in software di vario tipo, o altre risorse online che tramite l’AI stanno imparando a separare le tracce di ogni pezzo.

Se state interagendo con l’isolazione sonora, sappiate che state usando anche il mio lavoro e che questo per me è una grande gioia.”

Quali sono secondo te le tecnologie in campo audio, sia software che hardware attualmente più rilevanti e che marcano una netta inversione di marcia rispetto al passato?

“Ci sono molti software, ed io li divido in quelli con suono caratteristico ( che io non amo) e quelli che ti permettono di avere una libertà totale per quanto riguarda la resa sonora.

Ormai le dotazioni dei software sono molto simili.
Per esempio la funzione warp, molto utile per mettere in griglia campionamenti che hanno micro e macro variazioni di velocità, è presente in tutti i sofware di gamma top.

Tra questi annovero i mitici Pro Tools, Logic ed il mio preferito che è Reason.
Ableton lo trovo un software molto completo, ma ha una compressione nativa che ammazza un po’ la poesia del suono, perché scatta sempre una sorta di “effetto Skrillex”.

Un software rivoluzionario già citato nella risposta precedente è RX di Izotope, che ha cambiato le carte in tavola per il trattamento e l’edit dei campionamenti. Inoltre RX ha un sistema di restoring dell’ audio che lo rende il top software per recuperare audio danneggiato.

Per quanto riguarda l’hardware faccio un elogio alla Behringer, che è stata capace di rivoluzionarsi, reinvestendo su se stessa, e creando una grande quantità di strumenti ispirati alle macchine analogiche più potenti degli anni 80.

Io che ho posseduto almeno tre Roland tr808 analogiche posso dire senza timore di sbagliarmi che la versione attuale di Behringer è uguale all’originale, forse anche meglio, grazie ad alcune aggiunte che gli hanno dato una marcia in più.
Stesso discorso vale per la Bassline e per il resto della loro produzione. Avremmo modo di approfondire questi argomenti nel dettaglio all’interno del vostro blog!”

Synth review dei cloni della Behringer

Ruotando di qualche grado la prospettiva, secondo te quanto e’ importante e sopratutto quanto e’ (secondo noi colpevolmente) poco curato il reparto Visual negli spettacoli live del nostro ambiente musicale, sopratutto in relazione a progetti di improvvisazione, dove tecnologie “audio reactive” potrebbero arricchire notevolmente le performance?

“Durante il lockdown con Riccardo Sinigallia ed Adriano Viterbini abbiamo creato una formazione musicale nuova.
Il progetto si chiama ON, dove l’improvvisazione è al centro della performance.

Ci siamo posti il problema di implementare lo spettacolo con video originali, abbiamo creato un sistema in cui misceliamo in tempo reale le riprese fatte sul palco da nove telecamere guidate dal nostro video-maker, il giovane e sapiente Roberto Pozzebon a.k.a Bobbi.

Parallelamente, grazie all’utilizzo dell’espansione Serato DJ Video, oltre ad interagire con i suoni riesco ad interpolare in tempo reale i video delle fonti sonore che utilizzo sulla consolle.

Questa cosa è nata dal bisogno di riempire quel vuoto che spesso è la mancanza di una narrazione video. Qualcuno ha già esplorato in questo campo, come DJ Gengis o i De Producers, di cui fa parte anche Riccardo Sinigallia.

Nei generi elettronici questo argomento è stato enormemente sviluppato, nell’ hip hop invece c’è una carenza sostanziale.”

Secondo te perché in Italia a differenza che nel resto del mondo, i progetti unicamente strumentali di musica elettronica fanno fatica a far parlare di se sui media dedicati ?

“In Italia abbiamo alcuni giornalisti molto caratteriali che hanno la loro linea e ragionano a schemi, spesso antiquati, e soprattutto seguono le polemiche, che per quanto riguarda la musica strumentale non ci sono.

Non sono tutti così. Ne conosco molti che invece si mettono in discussione.

Comunque e’ un dato di fatto che la musica strumentale, non è molto calcolata, questo succede anche nella musica colta, spesso artisti che fanno cose prevalentemente strumentali hanno un ritorno maggiore all’estero, piuttosto che in Italia.

Allora perché le playlist di Spotify che vanno per la maggiore sono quelle di Hip Hop Lo Fi e Chill Out strumentale?

Questo e’ un controsenso a cui non posso dare risposta se non dicendo che di sicuro una forma di ignoranza obnubilante si sta impossessando della stampa musicale.

Faccio un esempio: in Italia, precisamente in Veneto, un ragazzo di vent’anni è diventato miliardario a sua insaputa con l’Hip-Hop Lo-fi.

Alla fine la notizia è stata battuta, da pochi, ma soltanto perché si parlava di soldi.

Temo che questa storia delle views e delle vendite abbia ammazzato quasi definitivamente quell’amore che caratterizzava il mondo della stampa musicale di molti anni fa, che seppure guardava al commercio lo faceva con crismi molto diversi rispetto ad adesso.”

La fantastica Saaaz. regina dell’undeground Lo-fi made in UK.

Saluta chi vuoi e
spoilera una novità sui tuoi progetti futuri.

“Innanzitutto saluto Cal che fa parte della mia Crew, Dj Stile che sta intrippato come me sui samples, le isolazioni ed I multitraccia.

Saluto Alessio di Palma, grande collezionista di Multi, e grandissimo musicista autodidatta.

Saluto Adriano Viterbini, Riccardo Sinigallia, Bobbi, Maurizio Loffredo e Francesco Poppys, che sono insieme a me gli ON, e qui spoilero che ci saranno tanti nuovi concerti di improvvisazione pura senza paletti e con video da urlo.

Saluto Tuff Kong e Aldebaran records con cui stiamo preparando nuovi progetti discografici potentissimi.

Saluto True Life Clothing Familia, dove tra suono e grafiche stiamo costruendo un grande percorso.

Saluto gli amici di Green Monkey con cui svilupperemo una CBD targata Ice One più tante

altre cose.

Saluto anche Irma records che sta pubblicando una nuova serie di album di musica chill out hip hop prodotti da me.

Saluto anche MPI electronics, DJ Mag Italia e DJ Point nella Persona di Marco Mazzi per il supporto tecnico che mi ha permesso di avere la consolle Rane One in anteprima e che uso nei concerti di ON. Uno strumento unico e versatile.

Finisco qui anche se dovrei salutare e spoilerare un milione di cose, ma lo faro step by step.”

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